Jasper Johns PDF

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ISBN: B016XN15E2.

Nom des pages: 280.

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À l’époque où l’expressionnisme abstrait, mode de peinture alors dominant, mettait l’accent sur l’expression dramatique à travers des coups de pinceaux audacieux et de larges compositions abstraites, les peintures du drapeau américain, des cibles, des nombres ou de l’alphabet réalisées par Jasper Johns apparurent comme une rupture radicale. Froids, silencieux et impassibles, ses sujets, soigneusement établis, étaient en effet bien loin des explosions émotionnelles alors en vogue. « Tout a commencé… avec mon tableau d’un drapeau américain. Mon choix de ce sujet fut stratégique, car je n’avais précisément pas à l’imaginer. C’est alors que je me suis focalisé sur ce genre de choses, comme les cibles par exemple, des choses familières. Cela m’a permis de concentrer ma réflexion sur d’autres niveaux. Par exemple, j’ai toujours pensé une peinture comme étant une surface, la peindre en une seule couleur rendait cela évident. Puis, j’ai décidé que regarder une peinture ne devait pas nécessiter une concentration spéciale comme, par exemple, assister à une messe. On devrait pouvoir regarder une peinture comme on regarde un radiateur. » Contrairement à la plupart des déclarations des artistes des années 1950, on ne retrouvait pas dans le discours de Johns les doutes et l’angoisse habituels, et sa sélection de thèmes avait l’air délibéré, sans désirs, ni liens affectifs. Cependant, aux yeux des artistes plus jeunes, après les excès de l’expressionnisme abstrait, son art était plus honnête, plus lucide que froid et dénué de sentiments. En choisissant des sujets facilement reconnaissables, Johns semblait rejeter la peinture abstraite. Cependant, les sujets eux-mêmes possédaient une caractéristique vitale de l’abstraction classique, leur planéité, les rendant indiscernables de la surface de la toile. Ce livre souligne comment le travail de Jasper Johns rendit obsolète la polarité entre l’abstraction et la représentation qui domina les débats de l’art moderne pendant des dizaines d’années, et comment son Œuvre ouvrit de nouvelles perspectives sur les relations de l’art et du monde. Cette analyse tente aussi de comprendre pourquoi, depuis sa première exposition à la Galerie Léo Castelli, à vingt-sept ans, il reste un des artistes majeurs de la scène artistique contemporaine.

Dans les années 1970 et 1980, ses peintures, gravures et sculptures devinrent de plus en plus décoratives, mais restèrent difficiles. La commission de zonage de Sharon a voté à l’unanimité en septembre pour approuver la demande. Ils ont été considérés comme traitant de l’imagerie comme des données brutes, comme des éléments d’information distribués à travers une surface comme on pourrait répandre des pièces de puzzle sur une table.

En offrant également un élément interactif, il devient expérientiel et met en évidence la notion que chaque spectateur individuel est capable d’expérimenter quelque chose de subjectif à partir de la pièce et de l’interpréter de manière personnelle. Trente ans plus tard, ses tableaux se sont vendus pour plus que n’importe quel artiste vivant dans l’histoire. Bien que Johns, qui vit dans le Connecticut, ne l’ait pas vu et que les responsables du musée ne sachent pas s’il le fera, le coprésentateur Ed Schad dit que l’artiste était intimement impliqué dans son assemblage. « Nous lui avons envoyé un modèle en bois complet de notre musée avec tout à l’échelle, tout a été placé, puis nous sommes allés à Sharon, Connecticut, et nous l’avons rencontré et travaillé avec lui pour finaliser l’exposition », a-t-il dit. « J’adorerais absolument qu’il vienne le voir. La correspondance exacte de la figure et du sol dans son travail remet en question la distinction traditionnelle entre un objet et sa représentation.